Que symbolisent les têtes de mort dans l'Art - 1

Depuis l'Antiquité, c'est la composition anatomique qui a intrigué des centaines de penseurs, de religieux et d'hommes d'influence. Le doute de ce qui se cache sous le derme, la curiosité que cela a suscité (et qui reste toujours d'actualité) pour l'explorer et le découvrir. Avec l'antiquité où l'expérimentation pratique représentait une nécessité pour l'accès à la connaissance, l'artiste, faiseur de sens et créateur de connaissances tabous, est allé à la base irréductible de l'homme : son squelette.

Le crâne humain est la découverte la plus sélective de cette recherche anatomique car elle la dépasse nettement. L'origine des idées soutenues par des os, une coquille impérissable renforcée. D'où la première idée d'utiliser le crâne comme un objet artistique, un support symbolique.

Sa composition a contribué directement à la visualisation de la capacité sapientielle chez l'homme, de son emplacement et de son fonctionnement moteur, dont la nature a donné naissance de façon inexplicable. Depuis lors, une série de motifs se sont succédés qui mettent sur la table l'image du crâne comme porteur de sens en soi et d'argument, selon le regard qu'on lui porte et la période où on le construit, le peint ou en parle.

Ces grands artistes fascinés par les têtes de mort

Mais tout le monde, même les plus grands, s'est tourné vers l'illustration des crânes humains. Par exemple, des artistes comme Basquiat, Dalí, Van Gogh, Goya, Frida Khalo, Rembrandt. Tous avec une mission différente se sont tournés vers l'objet dans le cadre de leurs travaux pour parler de sujets tels que la mort, la pensée, la morbidité, la présence, la pureté irréductible, l'anatomie, la simplicité, les origines de l'humanité et bien d'autres sujets.

Qui était Basquiat, l'artiste maudit ?

Jean-Michel Basquiat, était un artiste décédé à l'âge de 27 ans en 1987 et dont l'œuvre couvre une courte période de sept ans.

La peinture à l'huile a été vendue en 10 minutes à Yusaku Maezawa, un entrepreneur de mode japonais qui prévoit de créer un musée dans sa ville natale de Chiba.

C'est le prix le plus élevé jamais payé pour une peinture d'un artiste noir et la première pièce créée après 1980 à franchir la barre des 100 millions de dollars.

"Le voici, qui fait œuvre de pionnier non seulement en termes de marché, mais aussi en termes de perception plus large de son travail", a déclaré l'artiste afro-américain Adam Pendleton au New York Times. "Il s'adresse aux éléments plus larges de la culture américaine. Et quel moment fort pour que cela se produise.

Que symbolisent les têtes de mort dans l'Art - 2

Les têtes de mort comme mouvement artistique controversé

Ces derniers temps, les artistes pop, la publicité, les icônes de la mode, ont également fait écho à certaines figures historiques qui définissent directement des traits de l'identité culturelle d'un peuple comme le Mexique, dans lequel la figure du crâne décrit, définit et imprègne l'histoire.

Le crâne a beaucoup à voir avec l'histoire, car à travers ses significations, on peut tirer des conclusions historiques et des caractéristiques de la société mondiale. Initialement utilisée comme élément d'étude de la physionomie du corps humain, son image et sa présence dans les œuvres se rapprochent d'arguments tels que la mort et la pensée.

C'est ce qui reste après la désintégration du corps, l'immortalité du mortel vue d'un point de vue religieux, qui rend compte de l'empreinte que le corps laisse sur la terre, la preuve que quelqu'un a existé à l'endroit où il s'est endormi pour toujours. Et ce discours n'est pas nécessairement à la limite de la mort, comprise de manière gothique, sombre, obscure ou associée à la peur. Il ne s'agit pas de l'histoire lugubre d'un être humain ou de l'absence de son âme, en présence de ses restes. Il s'agit de l'image de la durabilité, la preuve de la vie, le noyau ultime des éléments qui nous composent.

Les courants artistiques influencés par les têtes de mort

Pour illustrer l'une des utilisations les plus modernes de l'image du crâne, les Vánitas résument un style artistique créé pendant la réforme protestante, et dont le but ou l'objectif était précisément de débattre des interdictions éthiques, morales et religieuses à l'encontre des êtres humains, alors que la fin de l'existence était précisément la mort.

L'argument visait à montrer que peu importe le nombre de fois où l'homme jouissait de péchés capitaux ou refusait de mener une vie pure et sainte, la jouissance que cela impliquait était simplement un avantage sur le reste des personnes qui s'en privaient, puisqu'elles se retrouvaient toutes sur le même lit : la mort.

D'autres avaient une vision un peu plus romantique, une interprétation contemporaine de la figure elle-même, loin des stéréotypes de la mode. Le crâne montre l'humain nu, dépouillé de ses vêtements et de ses haillons, de la superficialité. C'est la matérialisation de la composition de l'être humain sans plus, sans besoin d'arrangements.

Ces compositions artistiques rendent la race égale, homogène et montre l'égalité des sexes, la qualité et la magie de la création elle-même d'avoir le même moule pour des milliers de personnes différentes. C'est la matérialisation extrême du visage sans rien cacher, sans secrets ni exigences de la société qu'il traverse. Forme qui évite la présence de peau lisse ou sèche, de maquillage ou de savon, de peau ou de peau abondante, de palette de couleurs divergentes, de cheveux, de traits, de parure.

Le crâne est à l'origine de tout, le visage le plus pur et le plus nucléaire de la vie, mais il est caché sous les vêtements. Et son apparence mourante soutient le corps pendant qu'il vit, lui donne la force de se tenir debout et rend l'existence possible.

A lire aussi ...